Le chant grégorien a été revalorisé lors du concile Vatican II, et c’est pourtant à ce moment qu’il a failli s’éteindre. Comment expliquez-vous ce paradoxe ?

La constitution sur la liturgie de Vatican II affirme en effet : « L’Église reconnaît dans le chant grégorien le chant propre de la liturgie romaine ; c’est donc lui qui, dans les actions liturgiques, toutes choses égales d’ailleurs, doit occuper la première place. » Pourtant, son usage s’est considérablement restreint. Ce paradoxe s’explique notamment par le contexte culturel dans lequel le concile a été reçu, un contexte souvent confondu avec le concile lui-même. À cela s’ajoute l’idée, exprimée par Paul VI, d’un sacrifice douloureux du latin dans la liturgie pour favoriser la participation des fidèles. « Nous perdons ainsi en grande partie cette admirable et incomparable richesse artistique et spirituelle qu’est le chant grégorien », expliquait le Saint-Père le 26 novembre 1969, en présentant la nouvelle forme du rite romain.…

Et sinon, comment va la Norvège ? Pas Et sinon, comment va la Norvège ? Pas évident de savoir à quoi s’en tenir avec ce pays souvent engoncé dans ses stéréotypes contradictoires  – du black metal à la soi-disant américanisation des esprits, celle qu’on prête volontiers à tous ces protestants nordiques histoire de ne pas se poser trop de questions sur leur identité. Il faut dire que la Norvège est un pays récent – son indépendance est obtenue en1905 – longtemps resté à l’ombre de la Suède, brutalement émancipé par ses puits de pétrole offshore, avec une histoire qu’on réduit souvent à ses vikings et à ses pécheurs, faute de mieux.

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Heureusement, le cinéma norvégien récent va à rebours de cette histoire édifiante. Joachim Trier, réalisateur de Oslo, 31 août, remake bouleversant du Feu Follet, avait déjà donné le « la » d’un cinéma novateur capable de provoquer l’émotion sans verser dans le pathos, d’expérimenter sans donner de leçons.…

Nous sommes au crépuscule du XIXe siècle, période fétiche de Pierre Jourde, où l’Europe en passe de basculer dans la modernité d’acier du XXe se noie dans un trouble nostalgique, hallucinogène et fantasmatique ; où les formes artistiques comme les alternatives spirituelles se multiplient dans une espèce de panique sourde. Pourquoi Jourde nous y ramène-t-il, hormis en raison de sa passion propre, laquelle serait déjà suffisante ? Sans doute parce que cette période de crise morale traversant un continent tout-puissant résonne curieusement avec notre période de crise morale baignant un continent en faillite. Le roman s’y développe donc, par deux voix alternées et trois personnages principaux : un clown tragique, voire sanglant, Alastair ; une muse active, Thalia ; un psychiatre esthète, Charles, le seul à ne pas s’exprimer directement. Celui-ci vit un amour fusionnel, mystique, absolu avec Thalia, son ancienne patiente et sœur d’Alastair, lequel a perdu la mémoire, mais la retrouve par flashs et cherche sa sœur, se livrant sur son passé de clown au physique fascinant en racontant notamment comment sa troupe familiale a profité de la grande vogue des cirques anglais. [...]

Comment avez-vous eu la révélation de ces trames bibliques dissimulées dans les superproductions ?

C’est d’abord le Terminator de 1984 qui a attiré mon attention, avec cette histoire de Sarah Connor, l’héroïne du film, à qui est annoncé qu’elle va mettre au monde un enfant et que cet enfant sera le sauveur du monde. En poussant l’observation du récit et des images, on se rend compte que Sarah Connor est une transposition technofuturiste mais tout à fait fidèle de la Vierge Marie, à commencer par cette scène d’Annonciation. La transposition reste cohérente dans de nombreux détails de l’histoire et des personnages.

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Quel est le film dont l’arrière-plan biblique vous a le plus surpris quand vous l’avez découvert ?

Un jour sans fin est un véritable miracle. C’est une réflexion d’une intelligence prodigieuse sur le Salut et la quête du paradis.…

La prospérité de Monte-Carlo doit beaucoup à son casino. Mais pour retenir les joueurs, encore faut-il savoir consoler leurs pertes. À deux pas des tables, surgit donc, à la Belle Époque, un Opéra Garnier en miniature. Très vite, il s’impose comme un haut lieu de la vie lyrique. Aux grands classiques s’ajoutent pas moins de quatre-vingts nouvelles œuvres – opéras, opérettes, ballets. Massenet y crée sept partitions, dont Le Jongleur de Notre-Dame et Don Quichotte. À la tête de cette aventure : Raoul Gunsbourg, compositeur et impresario infatigable, qui dirigera la maison pendant près de soixante ans. Un héritage précieux que célèbre aujourd’hui le ténor Jean-François Borras dans son premier récital discographique. Au sommet d’une carrière longue et prestigieuse, ce digne héritier de Kraus, Vanzo ou Thill livre un hommage incontournable au chant français. Werther, Des Grieux, Don José : ses rôles fétiches renaissent ici avec une fraîcheur vocale presque miraculeuse – timbre clair et envoûtant, émission souple, diction souveraine.…