David Bowie semblait immortel. Éternellement jeune, éternellement élégant, éternellement créatif. Il s’en est pourtant allé il y a tout juste trois ans un 10 janvier 2016, laissant derrière lui une œuvre colossale. Son parcours personnel se confond avec les cinquante dernières années de l’histoire occidentale. Mieux que quiconque, David Bowie comprit la transformation du domaine culturel en une industrie de divertissement de masse. Plutôt que de subir la société du spectacle, il sut la confronter, l’utiliser et la défier. Son approche était totalitaire, totalisante, comme pour mieux interroger l’entreprise d’hébétude de la culture de masse.   Bien plus qu’un simple chanteur pop, David Bowie était et restera un artiste iconique de son époque. Un artiste qu’il serait difficile de réduire à la seule musique rock anglaise d’exportation mondiale depuis les années 1960 jusqu’à nos jours. David Bowie explose le cadre dans lequel il est apparu. Homme influencé par les artistes de son temps (citons Lou Reed, Iggy Pop, Peter Hammill du groupe Van Der Graaf Generator, King Crimson ou bien encore la musique noire américaine de ces années là), David Bowie fut aussi une influence pour de nombreux mouvements de la fin des années 1970.

D’aucuns le surnomment le « Phil Spector français » : musicien, producteur et arrangeur de génie, Bertrand Burgalat, 55 ans, également patron du label Tricatel, a travaillé avec des artistes aussi divers que Depeche Mode, Marc Lavoine ou Laibach. Vous êtes connu pour avoir travaillé avec des artistes de musique bruitiste (ou industrielle) comme Einstürzende Neubauten ou Laibach dans les années 80… Dans le cas de Laibach, c’était d’abord le contexte politique de la Yougoslavie qui m’intéressait, et leur façon très particulière de s’opposer au pouvoir en place. Je connaissais les expériences des futuristes italiens et de Jean-Marc Vivenza ou Test Department, qui les prolongeaient, mais mes goûts personnels étaient plus « tonaux ». C’est pourquoi mon travail à leurs côtés ou mes arrangements pour Einstürzende Neubauten sont demeurés assez éloignés de leur bruitisme originel. Récemment, Jean-Michel Jarre a déclaré que la France était le véritable berceau de la musique électronique. Qu’en pensez-vous ? La Fête des Belles eaux, composée en 1937 pour six ondes Martenot par Olivier Messiaen, annonce en effet les shows impressionnants de Jean-Michel Jarre. Donné devant une foule immense face au Trocadéro, pour un spectacle de jeux d’eaux et de feux d’artifice, on peut dire que ça a été le premier concert géant de musique entièrement électronique. Mais il y a eu des pionniers partout, comme le thérémine en Russie. En France, des compositeurs plus récents, comme Luc Ferrari (« Programme commun ») ou Bernard Parmegiani (son sonal pour Roissy est un chef-d’œuvre de trois secondes) méritent d’être écoutés attentivement. L’électro française s’est exportée à l’étranger dans les années 90 à travers ce qu’on appelle la « French Touch ». Quel regard portez-vous sur ce courant ? Les Anglo-saxons, et en particulier les Anglais, ont longtemps considéré la pop française avec la même condescendance que celle que nos cuisiniers peuvent éprouver à l’égard de leurs collègues d’outre-manche. Les seuls genres qu’ils acceptaient de nous concéder étaient les musiques de boîte de nuit ou d’ambiance. Les succès de Daft Punk et de Air ont prolongé ceux de Cerrone et de Jean-Michel Jarre. Mais il est arrivé un moment où le rock anglais a sombré dans l’autosatisfaction et le recyclage avec des groupes comme Oasis. Cela a permis de s’émanciper de certains complexes. Autrefois sulfureuse, la techno est devenue largement mainstream, bénéficiant de médias spécialisés et de festivals ayant pignon sur rue. Quelle est votre opinion sur cette évolution ? Il est difficile d’aborder cette question sans évoquer Philippe Muray, qui est un peu le point Godwin en la matière. La techno a suivi le chemin institutionnel du rock, du jazz et d’à peu près toutes les formes d’expression. Les maires, qui interdisaient les rassemblements rock il y a cinquante ans, se battent désormais pour accueillir des festivals de rock satanique… (...) À découvrir dans le dernier numéro de L’Incorrect et en ligne pour les abonnés.

One-man band, Barbarossa Umtrunk évolue entre musique industrielle et dark ambient. L’homme qui se cache derrière ce projet obscur, Baron von S., nous répond au sujet de ses orientations musicales et de ses influences philosophiques. Quelles sont les sources d’inspiration de Barbarossa Umtrunk ? Barbarossa Umtrunk a vu le jour il y a une dizaine d’années, alors que la scène industrielle, martiale et néofolk vivait son âge d’or, dans le sillage de formations cultes comme Der Blutharsch, Les Joyaux de la Princesse, Dernière Volonté et Blood Axis. Cette scène s’est ensuite essoufflée. C’est-à-dire ? J’ai pu observer de l’intérieur durant dix années l’évolution de cette scène singulière, souvent boudée du grand public à cause de son esthétique sulfureuse. Les préjugés négatifs se sont néanmoins atténués grâce au succès de séries télévisées comme Vikings qui ont fait découvrir au grand public des groupes comme Wardruna, Chelsea Wolfe et King Dude, groupes qui ont alors dépassé complètement l’audience de certains cercles restreints. Le Dark Ambient fourmille de formations nouvelles et s’est démocratisé à l’ère d’Internet, mais l’originalité des débuts s’est perdue.