Décembre 1986 : alors que les étudiants sont dans la rue pour s’opposer à la loi Devaquet, deux jeunes hommes d’origine nord-africaine, Malik Oussekine et Abdel Benyahia, sont tués la même nuit par des fonctionnaires de police. Le début d’un scandale national. On aimerait détester Nos Frangins pour des raisons idéologiques. Mais là n’est même pas le problème. S’il y a un léger ton anti-police, pas bien raffiné, il y a surtout un manque assez terrible de vision qui rend anecdotiques les gesticulations des personnages à l’écran. [...]

Quel metteur en scène pourrait imaginer un Vincent Lacoste décoloré s’apprêtant à recevoir dans son F2, Place des Fêtes, une « curatrice » venue admirer ses œuvres – des mobiles Nature et Découvertes – en vue d’une exposition à Lafayette Anticipations ? Sachant que ledit artiste héberge son jeune frère gay, traumatisé par la mort de leur père mais quand même bien émoustillé par son coloc queer et black qui crayonne en secret d’affriolants dessins homosexuels ? Autant de facticité déprimante, avec cri de la vie dans la culotte et résilience, c’est forcément Christophe Honoré. [...]

Le Français Jérémie Guez, connu principalement pour son activité de scénariste, signe ici un petit polar nerveux porté par une esthétique léchée qui rend notamment hommage au cinéma hong-kongais. Nuits électriques, néons et trottoirs lustrés par la pluie, le Bruxelles filmé par Guez et son chef-opérateur Grimm Vandekerckhove a parfois les allures du Hong-Kong de la grande époque, celui qu’immortalisèrent Johnny To et consorts. [...]

L’affiche est luxueuse : deux géants de la scène lyrique face aux micros, pour une anthologie de duos verdiens précédés d’un extrait de La Bohème (Puccini) et d’une scène de La Gioconda (Ponchielli). Un nouveau palier dans l’art élégant et subtil de Ludovic Tézier, qui ajoute un supplément d’âme à son habituelle maîtrise – parfois un peu corsetée – de la parole dramatique, puisant encore plus en profondeur dans ce kaléidoscope de cou- leurs qu’est son baryton. Aucune nuance, aucune expression n’est laissée au hasard. Et pourtant, quel naturel ! Et quelle noirceur dans la peau de Jago, qu’il n’a toujours pas incarné sur scène – lacune à combler, espérons-le, au plus vite. [...]

Certains films se présentent tout armés, comme Athéna sortant de la tête de Zeus, lisses, impénétrables, presque incritiquables. Saint Omer est de ceux-là, qui retrace le procès d’un infanticide, celui d’Adélaïde, 15 mois, livrée par Fabienne Kabou, sa mère, à la montée des eaux en novembre 2013 sur la plage de Berck. Son procès qu’Alice Diop relate frontalement et dans le détail semble d’abord une plongée dans les profondeurs, tant l’accusée est fuyante et froide (Guslagie Malanda, parfaite), mais le biais choisi par cette documentariste pour sa première fiction, s’il explique partiellement la réception dithyrambique du film (deux Lions à Venise, le prix Jean Vigo, bientôt un Oscar ?), en pose aussi les limites.

Rama, une romancière enceinte, sénégalaise comme l’accusée, et aux rapports tout aussi distants avec sa mère, va suivre les audiences pour nourrir un livre, selon la fameuse jurisprudence Carrère (L’Adversaire sur l’affaire Romand, où Tintin chroniqueur judiciaire craignait la contagion mimétique et de zigouiller sa progéniture, brrr). Ce relais du spectateur permet à Diop de rabattre le monstrueux sur le quotidien, l’anodin, le (presque) ressenti par toutes. Et pour ce faire, elle dispose d’une arme secrète : l’intersectionnalité qui victimise Kabou –  nommée Coly dans le film –  selon la race (une Africaine seule en France), le sexe et l’âge (elle est en couple avec un sculpteur de 30 ans son aîné qui l’invisibilise), la classe (désocialisation d’une étudiante en échec), l’histoire familiale (froideur de la mère, rejet par le père). Les éléments à charge sont systématiquement ignorés – le mot « préméditation » n’est jamais prononcé – ou minorés : la discussion sur l’aspect culturel du meurtre et les allégations de Coly se déclarant maraboutée est recouverte par une polyphonie narquoise de chœurs féminins qui affiche clairement « Cause toujours … ». Une saillie post-coloniale d’une ancienne professeur fait tressaillir la salle et choir l’accusée sur sa chaise : le racisme, c’est l’horreur ; pas l’infanticide qui a ses raisons… [...]

Voici deux romans graphiques qui démontrent, sans que ce soit leur propos, à quel point la bande dessinée n’est pas la combinaison dégradée du dessin et de la littérature ou le succédané fauché du cinéma. Dans ces deux œuvres, les auteurs réussissent à élucider un texte préalable (Abattoir 5, adapté du roman paru en 1969) ou à transposer romanesquement une réalité historique (Slava, qui décrit la Russie après la disparition de l’URSS). Le roman quasi expérimental de K. Vonnegut est « illustré », si on veut, mais non pas comme Tardi illustre Céline, dans un discours parallèle, parfois éclairant, souvent redondant, et même réducteur, le dessinateur imposant son style cent fois moins nuancé que le texte.

CROISADE POP

BLUE REV, ALVVAYS, Transgressive Records Ltd., 14,99 € 

Il y a des albums associés pour l’éternité à une période de notre vie. Pendant des semaines de l’année 2017, j’écoutais Antisocialites d’Alvvays. Ce groupe qui se situait quelque part entre The Smiths et Teenage Fan Club avait tout pour me plaire : obsession mélodique, guitares éthérées, tourbillon réverbéré, voix angélique. Dix secondes d’un de leurs titres et vous savez chez qui vous êtes. Cinq années ont passé et le monde ne s’est pas vraiment embelli, malgré ça. En revanche, Alvvays, eux, continuent leur croisade pop avec vaillance et élégance sans jamais décevoir. Blue Rev, leur nouvel album, pousse plus loin leurs sonorités familières et leur approche de la production a quelque chose de plus puissant, de plus tempétueux, de plus sonique. On pense aux Raveonnettes qui dans les années 2010 enchantaient notre jeunesse, mais avec une singularité en plus, quelque chose de moins pasticheur, de plus inoubliable. Dans ce voyage, on croisera les ombres admirées de Johnny Marr, de Tom Verlaine et de Phil Spector, ce qui n’est pas pour nous déplaire. Et surtout, on passe un peu moins de 40 minutes avec l’un des groupes les plus importants de sa génération.

MEA CULPA 

BEING FUNNY IN A FOREIGN LANGUAGE, THE 1975, Dirty Hit, 15,99 € 

Parfois les grandes rencontres démarrent par un rendez-vous raté. Regardez, même Aurélien, la première fois qu’il vit Bérénice, il la trouva franchement laide. On entre dans un appartement ou dans un bar et l’autre nous semble une promesse de déception. Il en a été ainsi lorsque j’ai découvert The 1975. Tout, chez eux, m’horripilait : ce côté boys band indie, ce maniérisme en plastique, leurs airs de groupe pour jeunes filles. Pourtant, il me fallait bien l’avouer, je retournais vers eux malgré tout. Il devait bien y avoir quelque chose. Ils comprenaient leur époque, ils en étaient l’écho conscient – pour le pire et le meilleur. Leur musique parlait des Xanax dominicaux, des collections de café des hipsters, de Facebook, du narcissisme contemporain. Si Léon Daudet disait merde à la patrie quand il s’agissait de littérature, alors je n’allais pas m’interdire de tomber sous le charme d’un groupe pour des raisons idéologiques. Avec Being funny in a foreign language, The 1975 revient avec, si ce n’est leur meilleur album, le plus directement efficace. Et il me faut avouer que mon mea culpa a du bon. [...]